El seminario, Comunión artística en la creación contemporánea, fue dirigido el día 9 de marzo de 2012 por la profesora Pilar Cabañas y celebrado en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid.

Este seminario fue fruto del trabajo interdisciplinar de un grupo de historiadores del arte y un grupo de artistas, que a lo largo de los últimos años han estudiado y analizado, desde un punto de vista teórico y práctico, el concepto de comunión artística. La práctica de dicha comunión entre los miembros del grupo, es decir, los estudios de caso, nos llevó a teorizar, e incluso a analizar las realizaciones artísticas de creadores del pasado desde esta perspectiva. Así, en dicho seminario se comenzó dando una definición de los términos “comunión artística”, que sirviera para después seguir desarrollando el concepto que estas palabras engloban. Un concepto hasta ahora escasamente manejado y definido, si bien las investigaciones y las experiencias realizadas en distintos ámbitos prueban que siempre ha existido.

Se planteó que “comunión artística” no es sólo diálogo o colaboración en una creación particular, es algo más. Comunión lleva en sí el significado de común-unión, y esto no es posible sin el vacío de nosotros mismos, de manera que es sólo sobre la nada de cada uno que dicha común-unión es posible.

Se partió del punto de vista filosófico poniendo de relieve el valor relacional en la búsqueda de la realización plena del hombre (Hegel), y cómo el individuo se personaliza y la persona se individualiza cuando entra en relación con otras personas (Buber). 

A continuación se ilustró el concepto de “comunión artística” con dos investigaciones sobre artistas consagrados, en los que la colaboración puede ser considerada un proceso de comunión. El primer ejemplo fueron los trabajos cerámicos creados y firmados conjuntamente por Josep Llorens Artigas y el pintor Joan Miró; y el segundo las colaboraciones entre Andy Warhol y Jean Michel Basquiat.

En la tarde se dio voz a los creadores: Wade Matthews, doctor en Composición y Electroacústica por la Universidad de Columbia (Nueva York), compositor, improvisador y escritor, coordinador de once tomos de la Historia de la Música de Deutsche Grammophon; y los artistas plásticos Javier Almalé y Jesús Bondía, Fernando Sordo e Ignacio Llamas. Se pretendía así completar la visión de la teoría planteada en las sesiones de la mañana con la experiencia vital de estos cinco artistas, que trabajando con una metodología diversa, algunos sin relación entre ellos, e incluso sin conocer previamente el concepto definido en el seminario como “comunión artística”, coincidieron en sus conclusiones: la relación de confianza plena en el otro y la importancia del vacío en la acogida del otro aportan una riqueza excepcional.

La intención de este seminario era la confrontación de los conceptos y experiencias, definidos y recogidos a lo largo de varios años de trabajo en el ámbito académico con artistas, teóricos del arte y estudiantes. Se pretendió que fuera un marco para el intercambio intelectual, la expansión de la reflexión sobre la creación artística en la universidad, servir de recogida de nuevo material que nos ayude a profundizar en la amplitud de concepto, y al tiempo, un punto de partida para nuevas colaboraciones que enriquezcan el proceso y permitan ampliar la investigación iniciada.

La experiencia resultó muy positiva y pasaron por la sala más de cien personas entre artistas, profesores y estudiantes. Todos apuntaron que el tema resultaba novedoso frente al individualismo a ultranza que el mito del genio creador ha potenciado desde el romanticismo. Les parecía interesante plantear, en positivo, los parámetros relacionales en la creación artística como enriquecimiento y apertura. Han destacado además la coherencia de todas las presentaciones y la variedad de puntos de vista sobre el tema. Además todos resaltaron la atmósfera distendida y cercana que se consiguió crear en la sala, según ellos, nada habitual en este tipo de reuniones académicas.